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编者按：在科技发达的今天，我们可以随时拿出智能手机，花费一秒钟的时间“咔嚓”一下将景物定格，为何还需要花费时间精力来作画呢？诚然，照片客观真实、不分巨细地记录着我们所见所观，而图画建立在画者的观察和观点之上，由各类元素取材而成，它无法被还原，同时无法被复制。
画——折射着万象百态，笔触平面可感又诠释着天成气韵。千秋万代的中国画者们不余其力地运笔泼墨，将国画的魅力呈现在薄薄一纸之上，其心赤忱,其愿恳切。
而纵观历史，中国画的题材总体大致分为人物、山水、花鸟三类，如同看似波澜不惊的海面。殊不知，海平面之下，是引人入胜、奇妙无穷的海底世界。匆匆路过的人只是踏浪而行，未解其中意。只有细细品味中国画，才能入其水中，或游或潜，领略藏于其中的无尽奥秘。
今以王建的画作为引，细细领略中国画的风姿神韵。（王建，字准提，河北易县人，国家一级美术师，中国画院画家，中国书画家联谊会会员。）
画不语，众生品，门启门合蕴意长
《阿门》
“门”是中国汉字中不可或缺的部首，由它和其他部件构成的汉字数不胜数，闷、问、闹、闸、闯……每个字所代表的含义是什么，全在于门中有什么。有的门不能轻易推；有的门要敢推开。画作匠心也在于此，无形之留白，有形之深意。世间千千万万门，城门、家门、国门……门不仅仅是一道屏障，也是一个阶段和时期的见证。历史上，我国曾闭关锁国，紧闭大门，用天朝上国的美梦麻痹自我，使得国力衰微，保守列强凌辱。而今我国改革开放，中华民族屹立于世界之林，国门成为时代更迭的见证者。
图中的两扇木质的门古朴素雅，粗犷的纹路间讲述着光阴的故事，剥落的对联里藏着岁月的痕迹。它并非完全敞开或者全部闭合的状态，而是一扇关着，一扇开着，张开的角度也恰到好处，没有偷窥的意味，不留用力的痕迹，是被自然而然被推开的状态。同时，合着的门上挂着不起眼的蓝色牌号“18”，又将这扇门放置于现代社会之中——古代是没有这种门牌号的，说明这门，现在还在使用中。古老的传承和现代元素的融合，可滋生无尽的理解。此外，不论是从外部推门进去，或是从内部推门出来均可作为解读，画中的门也如同钱钟书笔下的《围墙》：“围墙里面的人想出来，城墙外的人想进去。对婚姻也罢，职业也罢，人生的愿望大都如此。”
两扇门之间的留白不无意味，它将观者的视线聚焦于此，却不揭晓答案，只留下纯净的空间。白色可以折射一切的光，画作中心两扇门之间的留白也折射着每个人心中的所思所想。创业者推开未知之门，望见的是无人知晓的前景；失败者推开希望之门，望见的是重振旗鼓的可能性；年轻者推开事业之门，看到的是一派光明的前程；贪婪者推开欲望之门，望到的则是提心吊胆、无法安眠的长夜；自闭者推开久闭心门，看到的又是鸟鸣莺啼、活色生香的世界。推开的是什么门？是走过去还是再合上门？前方等待我的是什么？每个问题的答案不同，每位观者的站位和感悟各异。
“看山是山，看山不是山，看山仍是山”这句禅语道出人生阅历对处事心态和观物视角所产生的影响。赏画亦是如此，不同观者会带着自己的思想，得出独特的理解。王建老师表示，观画如同读书，有时候，会因阅历尚浅而不明白书中真意，加以时日，重读时恍然大悟，明白书中所言极是，再过一段时间，又会生出不同的理解。好的画作如同好书，背后交织着脚踏实地地创作过程，沉淀着多年功底的累积，经得起时间的淘洗，可以让观者在不同时间，以不同心境，品出人生百态，悟出各类道理。是否后悔当初推开的门，告诫自己不再轻易犯错；是否怀念当初推门的勇气，提醒自我不忘初心；是否怀念鼓励自己推开未知大门的挚友，相隔甚远唯有在观画时怀有“天涯共此时”之感……一切不得而知，一切随时间流转。正如王建所言：最重要的并不是门是什么样的，重要的是它所触发的意义。
王建称自己所画之门为《阿门》，这里的“阿门”不是犹太教、基督宗教的宗教用语，而是对于门的一种昵称。相比于作画的时间，王建酝酿了更长久的时间来构思这幅作品。就像亲朋之间会用别号相互称呼，他希望与所画之门建立起感情，于是用“阿门”来赋予门独特的亲切感。实际上，“推门”的过程或早或晚会成为某种象征存在于我们的记忆长河和内心深处。记起时满心欢喜也好，不堪回首也罢，它已内化为我们生命的一部分。正视它，理解它，也正是在正视和理解我们自己。驻足，平静而亲切地称一声“阿门”不失为一种铭记或释怀。
构图之外，《阿门》中的章也遵循“大道至简”的理念，中心留白处一个佛印，左下角一枚简章足矣。盛大士在《溪山卧游录》中有言：“图章必期精雅，印色务取鲜洁。画非藉是增重，而一有不精，俱足为白壁之瑕。”诚然，印章在整幅画中有着无可替代的作用。王建选用佛印盖于画中央，意在代表“信仰”，在王建看来，信仰之间并无优劣之分，重要的是对众生形成一种道德约束和规范。怀揣“头上三尺有神明”的敬意，在推门与合门之间，心中便也会多一份坦荡。
画不移，气自成，花开花落风韵存
《蜻莲》
“小荷才露尖尖角，早有蜻蜓立上头”出自宋代杨万里的《初荷》。不同于诗句中的荷花初生、蜻蜓静立，图上亭亭净植的莲花静默绽放，另一侧振翅的蜻蜓生动活泼。一动一静之间将气场调和开来，安详与生机糅合相交。莲花和蜻蜓相应成趣。
“这幅画，从东西南北四个角度看，构图都是和谐的。”王建解释道，左侧荷花的生长姿态是向上的，右上侧的蜻蜓的飞翔路径是向下的，因此整幅画的构图显得协调美妙，“如果蜻蜓也是向上飞，这幅画的气场就飞出去了”王建笑着说。中国画的气场看不见，摸不着，却着实存在，别有一番玄妙。画中，底部的水纹是衬托画面空间感的点睛之笔，流动的水纹是风赐予水面的礼物，也在无形之中让气场活泛起来。黑白灰对比，点线面运用，中国画中，气场把控着画作的整体节奏和韵律。
象征高洁的荷花常常出现在文人墨客笔下，初荷含蓄，残荷落寞，形态各异，美美与共。《蜻莲》中的荷花淡色、不争，没有高出荷叶一截的优越感，也妙在有一旁荷叶的烘衬。图中的荷叶浓淡不一，从微荷的浅色到卷荷的重色，通过外在形式体现生长规律的同时，也将墨汁的韵味晕染开来。墨分五色，用以表现物象的轮廓、明暗、质感，在墨汁的黑与清水的白之间，不仅仅存在理论上唯一的“灰色”，而是可以调和出称数不胜数的色彩，甚至比五彩斑斓的颜色更加耐看。为了运用好墨的颜色，画者必须精准地把握浓淡干湿的程度，王健老师在画叶筋时下了一番苦工，“必须要在墨将干未干时着色，不能早一分钟也不能晚一分钟。”有了王建守在画作旁，全神贯注地等待墨汁到达理想的干湿程度，运笔勾下理想的浓淡色泽，才呈现出今日《蜻莲》清新淡雅之作。
回想唐代，诗人李白独坐敬亭山，与其相看两不厌，自觉嶙峋山石读懂他的落寞心境，挥毫留下千古佳句。试想若观画至深，精神也会深入无人之境，与画作缔结出心意相通的情谊。即便没有用意深至此，与画相望，细细品味，静静思索，让一段时间以流的形式逝去，何尝不是给自己心底留有一方乐土呢？
（实习记者：王潇珺）
